Gefunden bei College Humor

– Achtung: dieser Text enthält Spoiler und sollte nur dann gelesen werden, wenn ihr Heavy Rain mindestens einmal durchgespielt habt–

Ab und an erscheint ein Videospiel, das so große Wellen schlägt, dass es in den einschlägigen Kreisen seit Wochen die Diskurse bestimmt und selbst knochentrockene Feuilletons deutscher Tageszeitungen nicht umher kommen, darüber zu berichten. Selbst wenn diese Spiele die Konventionen ihres Mediums sprengen und vieles so radikal anders machen, dass der Begriff ‘Videospiel’ fast nicht mehr geeignet scheint, um ihr Wesen zu beschreiben. So wie im Fall von Heavy Rain.

Zu sagen, David Cage, die menschliche Triebfeder hinter dem interaktiven Psycho-Thriller, sei ein ambitionierter Entwickler, wäre noch eine Untertreibung. Schon die ersten beiden Projekte seines französischen Studios Quantic Dream – The Nomad Soul und Fahrenheit – versuchten sich an neuen narrativen und emotionalen Ansätzen. Doch wo Fahrenheit noch teilweise ungelenk in seiner Präsentation war, die Story zu abgehoben und die Steuerung für ihre Zwecke nicht präzise genug, gelingt es Heavy Rain diese Fehler zu vermeiden und mit spielerisch reduzierten Mitteln eine dafür umso packendere Geschichte zu erzählen. Man kann Cage für sein oftmals arrogant wirkendes Auftreten und seine Rundumschläge gegen den Status Quo des Videospiels kritisieren, muss dabei aber neidlos anerkennen, dass er es tatsächlich geschafft hat, uns darüber nachdenken zu lassen, was mit diesem Medium noch alles möglich ist.

Heavy Rain verlangt Entscheidungen, die wirklich Gewicht haben. Mit denen man sich auseinander setzen muss, die einen in sich selbst schauen lassen und weit über Videospiel-Standards hinaus gehen. Bei einem Shooter habe ich theoretisch auch die Wahl, ob ich das Personal des gegnerischen HQ erst aus der Distanz mit meinem Scharfschützengewehr dezimiere, oder frontal mit gezückter Schrotflinte reinstürme. Doch diese Entscheidungen sind irrelevant. Sie haben eine Auswirkung, die nur bis zum nächsten Ableben meines Alter Egos reicht. Danach grüßt das Shooter-Murmeltier einfach von Neuem. Was ist schon ein Leben?

Treffe ich bei Heavy Rain eine Entscheidung, wirkt sich das drastisch auf den Rest des Spiels aus. Auf meine aktuelle Spielfigur, auf die drei anderen Protagonisten, auf alle folgenden Kapitel. Ist es die falsche Entscheidung, kann mein Charakter unwiderruflich ins Gras beißen. Kein Respawnen, kein Extraleben. Einfach tot. Fortan verzweigt sich die Story auf neuen, alternativen Pfaden, werden einige Türen geschlossen, andere dafür geöffnet. Aber das Wichtigste: Ich empfinde den wirklichen Verlust einer Person, die ich im Laufe des Krimis kennen gelernt habe. Mit der ich gelitten und gelacht habe. Nach Heavy Rain sollte niemand mehr behaupten können, dass wir in Videospielen keine wirklichen Emotionen jenseits von bloßen Reiz-Reaktions-Schemata empfinden können. Natürlich tragen auch äußere Faktoren – die elegische, immer passende Musik; die stetig in einem immer deprimierenderen Strudel mündende Atmosphäre – ihren Teil dazu bei, aber in erster Linie sind Ethan, Norman, Madison und Scott, ihre Persönlichkeiten, ihre Gestik, Mimik und Gefühlswelten, dafür verantwortlich, dass ich bei Heavy Rain durch ein emotionales Wechselbad gegangen bin, das mich auch Tage später noch nicht kalt ließ. Wenn sich Ethan um seinen verschwundenen Sohn sorgt und dafür bis zum Äußersten geht, können wir das nachvollziehen, da wir Stunden vorher noch mit diesem Sohn gespielt und sein Abendessen zubereitet haben.

Die Steuerung trägt trotz – oder gerade wegen – ihrer häufigen Reduktion auf Fingerfertigkeitsübungen und Quick Time Events ihren Teil zur Dramatik bei. Cage hat früh klar gestellt, dass jede der Hauptfiguren sterben kann, was dazu führt, dass man stets mit voller Konzentration am Geschehen teil nimmt. Jede falsch oder zu spät gedrückte Taste könnte das Ende sein. Gnadenlos, aber effektiv. Mal ist Heavy Rain ganz stil und erfordert von uns banale Tätigkeiten, wie das Kochen von einem Omlett oder das Binden einer Krawatte (und selbst dessen Gelingen ruft ein bizarres Gefühl der Befriedigung hervor), nur um plötzlich das Tempo zu ändern und seine Helden in lebensbedrohliche Situationen zu versetzen. Verfolgungsjagden, die Flucht aus einem brennenden Haus oder das Bestehen einer perversen Prüfung scheinen alte Thriller-Konventionen zu sein, aber hier sind es wir, die über Wohl und Wehe eines nahe stehenden Charakters entscheiden.

Vermutlich würde aber all das nichts bringen, wenn Heavy Rain ein Spiel aus der 8-Bit-Ära wäre, denn viel funktioniert auch über die grafische Ebene. Zwar besagt die Theorie von Uncanny Valley, dass gerade extrem realistische Polygon-Charaktere für ein beim Betrachter unbehagliches Gefühl sorgen, doch in Heavy Rain ist davon nichts zu spüren. Sieht man von ein paar Szenen ab, in denen die Zähne der Protagonisten arg zombiehaft wirken, hat man fast immer das Gefühl, hier Menschen aus Fleisch und Blut vor sich zu haben. Selbst das bei Computergrafik typische Problem der leblosen Augen fällt nicht ins Gewicht. So wirkt selbst die (optionale) Sex-Szene zwischen Ethan und Madison nicht unfreiwillig komisch oder gar infantil, sondern vermittelt (vielleicht zum ersten Mal in der Geschichte des Mediums) echte Erotik.

Und was ist mit der Story? Ich kann nicht behaupten, die Auflösung, wer sich hinter dem Origami Killer verbirgt, vorausgesehen zu haben. Auch wenn es im Nachhinein betrachtet fast schon logisch ist, dass es sich dabei um einen der spielbaren Charaktere handelte. Denn so gelingt es Cage und seinem Team nicht nur, den Spieler seine vollzogenen Handlungen Revue passieren zu lassen und nach Widersprüchen zu suchen, sondern auch für einen echten Schock zu sorgen. Scott Shelby, jener gutherzige Ex-Cop, mit dem wir Babys gewickelt, Räuber verjagt und Leben gerettet haben, soll der perfide Killer sein? Was zunächst viele Logiklöcher aufzureißen scheint, lässt sich dabei in fast allen Punkten erklären. Shelby war nie im Auftrag der Familie der Opfer unterwegs, ihm ging es einzig darum, zu überprüfen, ob er seine Spuren gut genug verwischt hat (ironischer Weise helfen wir ihm im wahrsten Sinne des Wortes dabei) und heraus zu finden, um wen es sich beim Copycat-Killer handelt, der seine Taten kopiert. (Interessante Parallele: Auch Kramer Senior geht für den Schutz seines Sprößlings über Leichen.) Dass er dabei jenen Müttern und Vätern, die nicht fähig oder Willens waren, ihre Söhne zu retten, in die Augen gucken kann, ist für den traumatisierten Psychopathen ein netter Bonus. Auch wenn seine Gefühle für Lauren echt zu seien schienen und die „Mission“ fast gefährdet hätten. Zugegeben: ein paar Fragen bleiben offen. Woher z.B. kannte Madison Shelby und reagierte daher so entsetzt, als sie seine Identität zugeflüstert bekam? Woher hat sie Jaydens Nummer? Wie kommen die Origami-Figuren in Ethans Hände, nachdem er wieder einen seiner Blackouts hatte? Aber zum einen sollen vielleicht nicht alle Fragen beantwortet werden (es folgen ja noch diverse Zusatzinhalte) und zum anderen gibt es im Laufe der Story so viele Alternativrouten, Kreuzungen und Enden, dass ich erst alles ausschöpfen will, bevor ich die große Fehlerkeule heraus hole. Und selbst wenn: es ändert nichts an der emotionalen und erzählerischen Dichte, mit der Heavy Rain ein neues Kapitel in der Erfahrung von Videospielen aufschlägt.

Das neuste Werk nennt sich ‘Tales from the Fallout’, stammt von G14 Productions und dreht sich um – wer hätte das gedacht – das postnukleare Fallout-Universum, genauer gesagt: einen Überlebenden aus Vault 103. Der komplette Kurzfilm soll im Sommer fertig sein, der Teaser macht definitiv neugierig auf mehr.

Videospiele haben am Niedergang der klassischen Brettspiele sicherlich eine Mitschuld. Statt ‘Risiko’ wird heute Command & Conquer gespielt, ‘Scotland Yard’ machte Platz für Call of Duty. Dass man beides aber auch kreativ verbinden kann, zeigt eine Monopoly-Variante von Nicholas Endean, an der er vier Jahre gearbeitet hat und welche u.a. die gewohnten Straßennamen durch Schauplätze aus dem Resi-Universum ersetzt.

Nun ist die Idee, alternative Auflagen des weltweit bekanntesten Brettspiels zu produzieren, keine neue (man denke z.B. an die Simpsons- oder Star-Wars-Versionen), was Endeans Mühe aber nicht schmälern soll.

Ich mag es minimalistisch, weshalb ich mir Albert Exergians originelle Poster zu populären TV-Serien gerne ins heimische Wohnzimmer hängen würde. Leider werden pro Kunstwerk 50 Dollar fällig. Da bleibe ich doch lieber bei der Verwendung als Wallpaper.

Gefunden bei /film

Das ist Wahnsinn, warum schickst Du mich in die Hölle? Hölle, Hölle, Hölle, Hölle.

So dichtete einst Schlagerbarde Wolfgang Petry. Dante hingegen will in die Unterwelt der biblischen Glaubenslehre. Freiwillig. Schließlich wurde seine unschuldige Geliebte Beatrice in eben diese verschleppt und sieht sich nun ewiger Verdammnis gegenüber. Denn die Hölle des Dante ist kein lauschiges Grillfest, in dem Elvis, Stalin und der Typ, der die Steuererklärung erfunden hat, zusammen Poker spielen, sondern ein richtiges Drecksloch, in dem Sünder in kochendem Blut baden und Abscheu und Wahnsinn allgegenwärtig sind.

Die (Göttliche) Komödie von Dante Alighieri, geschrieben im 14. Jahrhundert, ist das vielleicht bedeutendste literarische Werk des Mittelalters und hat das Bild der Hölle bis in unsere Zeit hinein geprägt. Ließt man die Schilderungen des Poeten aus Florenz wird klar, warum die Kirche im Spätmittelalter einen solchen Erfolg mit ihrer Propaganda hatte. Dante’s Inferno von Visceral Games, die mit Dead Space einen gefeierten Hit landeten, ist nun der Versuch, das Epos in Videospiel-taugliche Bahnen zu lenken. Das ist leider nicht zur vollsten Zufriedenheit gelungen.

Das fängt damit an, dass aus dem feingeistigen Dichter Dante der Kreuzfahrer Dante wird – ein austauschbarer Actionheld, ohne das Charisma seiner offensichtlichen Vorbilder -, der zwar erst wenig glorreich hinterrücks erdolcht wird, dann aber mal eben kurz dem Tod persönlich trotzt und ihm seine Sense entreißt.

Mit dem Arbeitsgerät des Gevatters werden fortan allerhand Dämonen über die drei Flüsse der Hölle geschickt. Anfangs verfügt Dante über ein überschaubares Repertoire an Aktionen, durch Erfahrungspunkte lässt sich das Spektrum aber nach und nach durch weitere – wahlweise „heilige“ oder „unheilige“ – Manöver erweitern. Wer Dante’s Inferno zum ersten Mal in Bewegung sieht, wird sich unweigerlich an God of War erinnert fühlen. Egal, was für eine Szene gerade über den Bildschirm flimmert. Denn wo ich schon Darksiders zum Teil des Ideenklaus bezichtigt habe, bedient sich Dante’s Inferno so ungeniert am Vorbild, dass man schon fast Respekt vor so viel Dreistigkeit haben muss. Wie heißt es so schön: „Talent borrows, genius steals“. Mit der kleinen Einschränkung, dass bei Dantes Höllentour das Genie viel zu selten aufblitzt.

Wirklich gut gelungen ist das Design der neun Höllenkreise (auch wenn sich der saubere Plastik-Look des Spiels ein wenig mit den Zwischensequezen im Comic-Stil beißt), die alle ihren eigenen, gut zum jeweiligen Thema passenden, Stil besitzen und eine einfallsreiche Interpretation der alten Verse darstellen. Dantes Metaphern für das Leid der Sünder und die ekelig-faszinierenden Orte ihrer Qualen boten den Entwicklern viel Stoff, um sich kreativ auszutoben. Leider fallen viele Passagen viel zu kurz aus, manche Ideen wirken nur angekratzt, viele Chancen bleiben ungenutzt. So als ob manches kurzfristig der Schere zum Opfer fiel. Ein God of War nahm sich bei seiner eigenwilligen Kollage der griechischen Mythologie mehr Zeit und schuf dadurch diverse große Momente, an denen es Dante’s Inferno eklatant mangelt. Selbst die Bosskämpfe bleiben weit hinter ihren Möglichkeiten. Von der hastig, holprig und ohne Sinn für Epik erzählten Story ganz zu schweigen.

Denn in einem Punkt hat Dante’s Inferno erstaunlicherweise nicht bei Kratos abgeguckt. Anstatt ein Hack & Slay mit Action-Adventure-Elementen abzuliefern, präsentieren uns Visceral Games ein ultra-lineares Gemetzel mit kalkuliertem Schock-Faktor (untote Babyleichen, die aus überdimensionalen Brustwarzen kriechen sind sicherlich nicht jedermanns Sache), bei dem jeder Pfad streng vorgekaut wird, keinerlei Entdeckungsgeist gefragt ist und die wenigen Rätsel nur Alibi sind. Um die kurze Spielzeit ein wenig zu strecken, entschied man sich hingegen dafür, in der zweiten Hälfte des Spiels ein paar unfaire Stellen einzubauen und den achten Ring als Aneinanderreihung zwanghafter Arena-Kämpfe zu gestalten.

Immerhin geht die Steuerung in den Kämpfen gut von der Hand und erlaubt dynamische Sichel-Kombos. In den Kletterabschnitten, die die Höllenkreis miteinander verbinden, steuert sich Dante hingegen unsicherer und unpräziser, was oft zu ungewolltem Ableben führt (bei denen sich irgendwie die Frage aufdrängt, was denn eigentlich mit jemandem passiert, der in der Hölle stirbt).

Wer nach den obrigen Zeilen davon ausgeht, dass Dante’s Inferno ein richtig schlechtes Spiel ist, hat die Rechnung allerdings ohne das Fazit gemacht. Denn bei all den Patzern ist die Höllenwanderung trotzdem ein solides Actionspiel, das die Wartezeit auf God of War 3 ganz ordentlich zu überbrücken vermag. Aus der Vorlage hätte man aber noch viel mehr herausholen können, weshalb ich mir nicht sicher bin, ob man Visceral Games für ihren Mut, aus dem alten Stoff ein Videospiel zu machen, loben soll, oder es bedauern sollte, dass die Adaption von Dantes Meisterwerk nicht der Hit ist, der sie hätte sein können.

War es damals nicht ein revolutionäres Seherlebnis, als man plötzlich in Videospielen die dritte Dimension erobern konnte? Titel wie Star Wing, Daytona USA oder Virtua Fighter ließen damals so manchen mit der Zunge schnalzen. Und was ist von den einst faszinierenden Polygon-Kulissen und -Körpern übriggeblieben? Nicht viel. Kahle Flächen, leere Räume und Aliasing bis der Arzt kommt. Im Prinzip sind diese Spiele nur noch als Anschauungsobjekte eignet, als Pioniere auf dem Weg zu den optischen Standards unserer Zeit. Doch viel Retro-Charme lässt sich hier leider nicht erkennen, kein Vergleich zu heute immer noch ansehnlichen Bitmap-Schönheiten, die paradoxerweise dadurch gewinnen, dass sie in zwei Dimensionen stehen geblieben sind. Ein Zelda: A Link to the Past ist zeitlos und kann unverändert auch heute und in zehn Jahren noch problemlos konsumiert und verehrt werden. Der dreidimensionale Nachfolger Ocarina of Time ist dagegen trotz all seiner spielerischen Brillanz angestaubter, für Zocker neuerer Generationen schwerer zu mögen.

Oder lässt sich an polygonaler Grafik einfach nur besser die rasante Entwicklung des technisch Machbaren veranschaulichen, jenes Gesetz, das Herr Moore ausformulierte und das seitdem die Richtung auf der Entwicklungsautobahn vorgibt? Jene Autobahn auf der die 3D-Optik mit Lichthupe in die Zukunft gerast ist, deren Pioniere aber mittlerweile mit rostigem Getriebe auf dem Standstreifen daherzuckeln.